MATORRAL- RESONANCIA EN LA ZONA CENTRAL

MATORRAL
“Resonancia en la Zona Central”
Cápsula Discos
2007

Recapitulando: Matorral después de lanzar un muy buen disco como “Voces del Rincón” (2003), entró a grabar su nuevo álbum en una casa en Santo Domingo, donde crearon alrededor de 30 canciones, algunas de ellas fueron registradas en el EP de 7 canciones “¿Conoce Usted a Matorral?” (2004), con un alto grado de aceptación de la crítica. Luego de eso sucedieron varios acontecimientos tristes para la banda, como la salida de su baterista original Iván Molina (Ex-Emociones Clandestinas, Ex Santos Dumont) por problemas de salud, o el robo de un computador donde estaban almacenados varios avances de mezcla del disco. De allí se pasó a un momento de incertidumbre hasta que la banda se estabilizó, encontraron un nuevo baterista, Esteban Espinosa, actual vocalista de Bocallave, y empezaron a tocar con más frecuencia y concentrarse en editar el disco que grabaron en el litoral. Es así como llega el cd doble “Resonancia en la Zona Central”, un álbum que marca el fin de una época para el trío.

El primer CD empieza con el instrumental “Estamos bien”, el cual nos deja en claro desde el principio que, pese a todo lo que han pasado, están bien y se nota en esta pieza que muestra todas las características de la música de Matorral, con muy buenas melodías en la guitarra y en el bajo, creando ricas atmósferas durante todo el track, donde la batería de Molina se mueve libremente sin ningún patrón que atenerse. Luego llega el primer single “Mediodía”, un temazo que ya lo venían tocando hace rato en vivo, muy potente, con mucha fuerza que representa muy bien el resto del disco (vean del videoclip, tiene un aire muy sicodélico). “¿Dónde está el Chal?” es una de los mejores, con ese clásico aire folclórico que caracteriza desde sus inicios a la agrupación, y donde empieza a notarse un tema recurrente en las letras de Felipe Cadenasso (voz y guitarra), la sensación de vivir en un mundo incierto, peligroso, donde todas las manos están cargadas, con alguna similitud a la nueva canción chilena de los 70’s. “Presión Baja” es otro instrumental, más relajado que el anterior, pero muy agradable. Después llega toda la potencia de “Terminé” donde la letra habla de un hombre que terminó con promesas sin cumplir, atrapado, sin fuerzas para hablar, durmiendo con otra mujer, matando al rock and roll, con una buena línea melódica de guitarra-bajo con algunos timbres que enriquecen el tema. Continúan con “Carne de Cañón” un tema que dura 10 minutos, pero 8 de ellos son de solos de guitarra y baterías sin cadenas que viajan bajo la estabilidad de Gonzalo Planet en las 4 cuerdas, lo que puede resultar un poco agotador para los que no están acostumbrados al trío y para quienes están más acostumbrados a la estructura clásica de canción. Posiblemente este es el mayor riesgo del trío, que hacen su música sin concesiones, donde juegan mucho con el virtuosismo de sus integrantes y eso hace que pierdan un poco de frescura y que no sean tan accesibles para los que escuchan habitualmente a bandas como Los Tres o Los Bunkers.

Para terminar el CD 1 llega el excelente “Nuevos Días”, un tema acústico, cansino, que trata al igual que en “Donde…chal?” de una ciudad donde es difícil de confiar, donde la muerte entra en tus bolsillos, un asunto que va en la línea de “El Sastre”, un track muy folk, ahí Cadenasso habla del diablo como el sastre de la gran ciudad y de nuevo se abre el tema del mundo peligroso e incierto con frases como “yo cargué las armas pero no disparé”, el cual está muy relacionado con el track escondido cuyos versos dicen: “escuché un ruido en la puerta señor, quieren las armas callar mi voz, si he de partir quiero salir”, que recuerdan al lado más confrontacional de Violeta Parra.

El CD 2 empieza con una tripleta soberbia compuesta por la potentísima “Agotador”, ideal para empezar el disco con buen juego de guitarra, “Cuántos Cómo Tú” una canción con un cierto aire esperanzador que sueña con alguien que sea quien lleve el pan y el vino a la clase obrera sorprendiendo a la ciudad con un golpe perfecto, “Golpe en Plena Cara” en lo personal el mejor tema del album, una gran canción llena de fuerza, con una genial melodía, de ésos track que te despiertan cuando andas dormido en un día cualquiera y que después llevas la melodía en tu inconsciente hasta que te acuestas. Después de tanto power llega un instrumental para bajar las pulsaciones, la bellísima “Las Rocas” muy bien acompañada por una trompeta. La belleza no se va ya que le sigue “A Medio Camino” una de las pocas canciones tipo baladas del disco, pero simplemente un pedazo de tema, con gran performance de Cadenasso y la aparición de violines. Ya por la mitad del CD 2 llega “Corre”, una crítica a los días modernos, con un brillante coro onomatopéyico (uuuuaaaaauuuuaaaa…), muy emotivo. Para finalizar tenemos el cover de Violeta Parra “Cantores que Reflexionan”, muy emotiva, muy eléctrica, con un gran final donde Matorral hace suya la canción, moviéndose por esos ambientes poderosos con guitarras y percusiones que se entrecruzan como ya lo venían haciendo a lo largo del disco. “Noche en que Perdí la Voz” es una joyita que nos guardó la banda hasta el final del álbum, un tema que toma aires clásicos gracias al violín de Jorge Rivera, y con frases tan desgarradoras como "Siempre habrán heridas mientras el hombre tenga piel”.

En resumen, un muy buen disco, que evoca sinceridad, honestidad, actitud, pasión por la música, que quizás te va costar un poco entenderlo a la primera oída, pero si después agarras el sonido va ser difícil que no lo puedas disfrutar.

por Alexis

LEO QUINTEROS+MATORRAL - CENTRO CULTURAL ESPAÑA 13.12.07

Leo Quinteros entra al escenario acompañado por su fiel guitarra acústica con harmónica además de su juego de pedales que usará en un par de canciones. El setlist empieza con dos temas de sus primeros discos, el segundo de ellos “Fumadores”, un temazo, con una letra crítica especial que habla por todos aquellos que se sintieron perjudicados por las nuevas políticas contra el tabaco impulsadas por el gobierno, un tema cansino, de esos para andar en carretera, que en versión acústica, logra la simpleza necesaria para que en la sala se genere un ambiente íntimo donde el tema suena demasiado grande, cuasi himno. Luego viene la canción que le da el nombre a su buen criticado último disco “Los Accidentes del Futuro” , en el cual quizás se ve una de las desventajas de estos show sin banda de apoyo de Leo, que en verdad la canciones más rápidas o enérgicas como ésta no suenan tan poderosas como en el disco, aunque la fuerza de la voz persiste, todo el ambiente que rodea a estas canciones se echan de menos y uno piensa lo genial que sonarían con una banda de apoyo (este compositor cuando se da la ocasión lo acompaña una banda de lujo con Felipe Cadenasso y Gonzalo Planet, ambos de Matorral y Alejandro Gatta, ex-Tsunamis), lo cual se repite en "Heart Attack", aunque en este tema se apoya de los pedales para grabar la frase “heart attack, heart attack”, la cual se repite en toda la canción y en “Por Ahí Van”. En cambio los temas más íntimos como “La Enredadera” y otros temas de los 8 que presentó en esa tarde, al ser más lentos fueron muy bien logrados, con un Quinteros que se veía cómodo, confiado, con una voz impecable y con letras urbanas, además de inteligentes, logró satisfacer a los más de 100 personas que llegaron al Centro Cultural España. En resumen, una muy buena presentación aunque se espera con muchas ansias una presentación con banda de apoyo, como corresponde a este buen songwriter.


Pasado el aperitivo, Quinteros se las dio de jefe de ceremonia y al finalizar dijo . “ Y ahora los dejó con mis buenos amigos de Matorral”, se apagaron las luces y se proyectó un pequeño documental de un poco más de 10 minutos donde se mostraba como fue el proceso por el que pasó la banda para generar su último disco doble “Resonancia en la Zona Central”, de cómo fue la grabación en Santo Domingo, de la complicada salida de la banda de su baterista original Iván Molina, de la vez en la que se les robaron el computador en donde tenían las mezclas del disco, entrevistas a músicos invitados y conclusiones después de terminar el álbum, en fin, un pequeño documental, emotivo y buena introducción para la gente que recién está conociendo al grupo. Luego de eso comenzaron con “Noche en que Perdí la Voz”, un bellísimo tema acompañado por el violinista Jorge Rivera, en donde se destaca la impecable voz de Felipe Cadenasso, afinadísima durante toda la presentación, si tiene que gritar, grita, si tiene que llorar, llora, pero siempre sin salirse de su registro y sobresaliendo sobre la máquina de sonido que es Matorral. Esta máquina empieza a cargar motores con “Terminé”, un tema poderoso, de esos que caracterizan al trío, con un muy buen riff de Cadenasso, para seguir con la folk. “Todo” mostrando la variedad que hay en esta banda y en el disco. Ya en la mitad de la presentación llega el mejor momento con la tripleta “Donde está el Chal”, “Golpe en Plena Cara” y el single “Mediodía”, temas poderosos, geniales, de esas que llevan la adrenalina de la música pero la crítica en las letras, de esas que despiertan a las masas, de las que te dan ganas de pararte y corear el tema como sea, en donde la banda se ve afiatada con el nuevo baterista Esteban Espinoza, totalmente compenetrado en la agrupación y siempre presente el soberbio trabajo de Gonzalo Planet en el bajo, quien cumple con incansables funciones que no están a la vista como preocuparse de promocionar las tocatas, de vender los discos, de conversar con los fans para no impacientarlos mientras no empieza la tocata, quien trata de rescatar el comienzo del rock nacional con su libro “Se Oyen los Pasos”, compañero inseparable de Cadenasso, y además de todo eso es un tremendo bajista, que toca cada nota como si fuese la última y tiene un despliegue en el escenario que se agradece.


Para finalizar el show, tocaron dos temas de su primer album “Voces en el Rincón” (2003), “Premios y Estatuas de Sal” el cual terminó con un soberbio sólo de guitarra de Cadenasso en la parte instrumental final del tema que fue un poco larga y cansadora, y después del bis terminaron con “Gracias a Ti”. Bueno quizás el punto débil del show fue no haber tocado algunos clásicos de la banda como “Tras de ti”, “Mal de Ojo”, “Porvenir”, “Formación” o “Hasta que Cubra el Mar”, pero bueno, la tocata más que nada era para presentar el nuevo disco, y dejó a los asistentes satisfechos después de una sólida muestra de que la banda goza de muy buena salud y que tenemos Matorral para mucho tiempo más.

por Alexis

LEO QUINTEROS - LOS ACCIDENTES DEL FUTURO

LEO QUINTEROS

"Los Accidentes del Futuro"

Sello Azul

2007

Este compositor nos entrega en este disco una camada de excelentes canciones, las cuales con un par de escuchadas se calan en tu inconciente. Temas con muy buenas atmósferas por donde conviven cuerdas, teclados, percusiones, para crear en cada canción una identidad que produce que el disco sea fácil de escuchar y que además tenga ese aire de clásico que posee.

El disco empieza con la energética “Heart Attack”, tema bien elegido para comenzar el disco, muy oreja, con muy buenos riffs de guitarra sobre todo al final del track. Luego le sigue una canción que estaba en su disco anterior “Ahora!” (2006), “Invisibilidad”, un temazo, épico, grande, tratando de describir como es vivir de incógnito entre toda la multitud, el mundo, el ruido, como lo hace notar en los versos: "prefieres quedarte despierto / soñando con algo que no se pueda destruir / perderte en la gente / ganando invisibilidad", todo esto a través de una música envolvente, llena de guitarras acústicas, vientos, teclados, dándole al tema una gran grandilocuencia.

Luego viene otro tema que huele a clásico, “La Enredadera”, simplemente (disculpen lo cursi de la expresión) un bellísimo tema, melancólico, inocente, de ésos que te dan una sensación de paz y tranquilidad mientras los escuchas. Con líneas románticas como "y pido las explicaciones/ y aunque no tienes porque darlas/ se sienta me mira y me habla de todo lo que yo la quiera escuchar/ y exijo ver esas raíces/ y ella contesta: cuando quieras/ y todas las demás tonteras/ que a mí se me ocurren, las hace por mí", dedicadas a su pareja, la espléndida Blanca Lewin (grande Leo!!), todo esto ambientado con una música que va creciendo con el paso del tempo, donde las cuerdas van ganando peso hasta llegar al final del tema donde la canción al igual que en el tema anterior, gana en grandeza y majestuosidad.

Después de este notable comienzo, llegan dos temas que le dan más frescura al LP, como son el track que le da el nombre al disco “Los Accidentes del Futuro”, uno de los tantos cuentos que lleva esta placa, éste es de unos enanos que viven amargados en su cueva, recuerda mucho al rockabilly de Los Tres. Luego viene “Pensilvania”, que nos recuerda la etapa más sicodélica de los Beatles -acompañado en los coros por su novia- trata sobre la travesía de un hombre que desafía al mar para llegar a esa ciudad, ambientado con teclados y cuerdas.

Ya por la mitad del disco aparece el primer single “Por Ahí Van”, un hit muy oreja, ideal para las radios, con una melodía irresistible, otro tema que huele por todos lados a la banda de Liverpool, plagado de escalas (de cuerdas, de vientos, teclados, no lo tengo muy claro), con la letra dedicada a esas personas que te enferman, que no te escuchan, que te ignoran aunque les hables cuatro mil veces, que se despiertan perseguidos por las culpas de su acciones.

Continúa “El Reflejo del Salar”, quizás el tema más folclórico del álbum, otro soberbio corte que culmina con un climax al final del disco donde Quinteros nos regala dos minutos con un instrumental que representa toda la música que posee este CD, dos minutos donde conviven una serie de instrumentos, cuerdas, piano, vientos, xilófonos, llevando una genial melodía, tomando aires épicos, envolventes y sólidos.

Terminando el disco llega "Créditos", un tema muy divertido, que va en la onda del “Ch’ Bah Puta la Güea” de losd esaparecidos Pettinellis, para que se den una idea.

Para concluir podemos decir que este es un disco donde las canciones de escuchan por sí solas, la mayoría son canciones muy orejas, acompañada de buenas letras y excelente música y que estamos frente a un compositor lleno de imaginación, con una sensibilidad y facilidad para hacer buenas melodías pop. Un compositor a la antigua, donde lo clave para él es la melodía y la búsqueda de nuevas sonoridades y nuevos instrumentos para sumar a la ya enriquecedora atmósfera de sus composiciones las cuales cada una posee una identidad propia. Sin lugar a dudas, a Quinteros le queda un gran camino por recorrer para seguir entregandonos grandes canciones como las de este sólido tercer álbum.

por Alexis

PERROSKY - EL RITMO Y LA CALLE

PERROSKY
"El Ritmo y la Calle"
Algo Records
2007

"Perrosky” es un dúo formado por los hermanos e integrantes de Guiso Alejandro “Perrosky” Gómez (guitarra, voces, armónica, teclados, bajo) y Álvaro Gómez (batería y percusiones), que luego de dos Eps, “Añejo” (2001) y “Otra vez” (2004), logran sacar su esperado álbum debut “El Ritmo y la Calle”, el cual después de muchos inconvenientes (cuando estaba listo para ser lanzado a principios del 2006, el computador donde tenían la única copia se fundió) logró salir a la luz.

Dentro de los 24 tracks que trae la placa, 7 son extractos de diferentes personajes musicales que grabó Perrosky en su viaje por la ciudad, dentro de los que se encuentran unos raperos callejeros, un organillero, una jazzista y un acordeonista, todos extraídos del ambiente callejero que caracteriza a Santiago, y que sin lugar a duda son parte de la influencia de esta banda.

Entrando de lleno al disco, las canciones de Perrosky son temas que poseen una base de dos a tres versos y acordes y sobre eso se va construyendo cada canción hasta que cada una toma identidad propia, creando de algo tan simple, un concepto potente y que te va atrapando a medida que corren los minutos. Así, con mucho eclecticismo en cuanto a música y letra, se pueden encontrar por un lado canciones de una tónica más cansina, que con un ritmo lento te envuelven sin que te des cuenta. Es el caso de “Solo” o “Lejos”, la primera preguntando a un amigo sobre su soledad y terminando con una bella armónica y la segunda evocando sobre la melancolía al recordar a su natal Copiapó y al preguntarse si ha servido el tiempo que ha vivido acá.

También hay canciones muy potentes, con buenos riffs de guitarras, volviendo a la potencia de su banda Guiso, donde tocan bien afiatados los hermanos Gómez y en donde se emana en estas canciones rabia, odio, en general sentimientos hacia ciertas personas no muy queridas. Así como la fuerza de “Revólver” se basa en la crueldad de los versos: “dame un arma para matar/ matarte porque me caes mal/” o en “Si tu Pudieras”: “si tu pudieras ayudar/ a todo el mundo por igual/ de que podrías ayudar/ pero aun hay tiempo/” es un tema político que llama a la acción. Del mismo modo hay espacio para otros ritmos como las rancheras en “El Tránsito” que pone la alegría en este disco o para canciones tipo plegarias como en “Lagonias” influenciada por el folclorista argentino Atahualpa Yupanqui.

Sin embargo, lo mejor del disco va por el lado de las baladas, donde Perrosky se despacha los mejores temas del álbum, como la notable y radial “AM”, que posee una melodía irresistible y un aire a clásico, con un buen juego de su guitarra con la armónica creando un ambiente cálido y acogedor: “Como un naufrago en la ciudad/ he perdido el mundo en estas arenas/no/no quiero escuchar más/ no quiero escuchar más unas sirenas/”, sin lugar a duda uno de los temas nacionales del año. Otras canciones que van por la misma onda son “La Muñeca” y “El Pobre Diablo” que siguen siendo temas muy simples, con una base de dos a tres versos pero que poseen esa belleza que tiene las cosas simples de la vida y que son las que uno más valora, y es eso lo que te muestra el disco, que no se necesita gran complejidad para crear grandes canciones, esta no es una placa que haya inventado algo nuevo ni que vaya a revolucionar la forma de la música, es un disco de canciones, pero de aquellas que se sustentan en lo inteligente de sus melodías, letras y acordes para crear temas que te llevan a pasear por las calles, por los barrios, por los bares de la capital, y Perrosky rescata esa cultura con solvencia.

En fin, este es un disco callejero, que nos muestra toda la cultura popular que ha influenciado a Perrosky partiendo por las rancheras, folk, blues, rock, etc, transmitiendo toda su sinceridad, pasión, honestidad, alma y sangre durante la hora que dura el álbum, y si somos capaces de escuchar esas sensaciones en un disco, como oyentes ya podemos sentirnos satisfechos.

por Alexis

www.myspace.com/losperrosky

GUISO - ES DIFÍCIL HACER COSAS FÁCILES

GUISO

"Es difícil hacer cosas fáciles"
Algo Records

2007

Guiso debe ser la banda más importante que haya dado el movimiento en Chile en los últimos años. Formado por Alejandro Gómez (Perrosky) en voz y guitarra, Álvaro Guerra en voces y guitarra, Bernardita Martínez en bajo y Álvaro Gómez en batería (hermano de Perrosky) y dueños del sello AlgoRecords (de donde han salido bandas trascendentales del circuito alternativo como The Ganjas, Ramires! o Tsunamis), Guiso es una clara muestra de la auto–gestión que es necesario hacer para subsistir en un sistema tan inestable como la música en el país, y que con mucho esfuerzo y aprendizaje han podido sobrevivir, gracias a una camada de buenas canciones que todo el que está buscando rock con sangre y alma debe escuchar.

Después de su segundo y formidable disco “El Sonido” (2004), la banda de los hermanos Gómez vuelve a hacer ruido con el esperado sucesor, su primer disco de estudio como tal, teniendo en cuenta que los anteriores los habían lanzado cuando ya habían mostrado la mayoría de las canciones previamente en sus tocatas. Así, pasando de grabar en análogo a grabar en formato digital y además trabajando con Francisco Straub, uno de los más prestigiosos ingenieros en sonido del país (Los Bunkers, Los Prisioneros), se nota que este cuarteto está haciendo todo lo posible para sonar como una banda moderna, que no quiere quedarse atrás.

El disco empieza con la que debe ser la canción más radial en la historia de la banda, “La Maldición”, tremenda melodía de Perrosky, una canción que te deja pegado y con un par de escuchadas ya no te puedes sacar el pegajoso coro “Ya no está/ el amor que nos mueve y nos hace olvidar/ Ya no está/ la canción que nos mueve y nos hace olvidar”, y si te gustó está, luego sigue el single “Quise a Boogie” un tema punk-rock pegajoso y potente, que resume de buena manera el resto de las canciones de Alvaro Guerra, un punk-rock con mucho poder, mucha actitud, letras directas y con ganas de despertarte de la inercia de la vida, del amor, de todo. Porque en este disco ya no se sigue con la hegemonía en la composición de Perrosky más algunos temas de Guerra, sino que la autoría de temas está bien repartida con 4 canciones de Perrosky, 2 canciones de la Berni, 3 de Guerra y 4 de Guerra-Berni, lo que da como resultado un disco variado, diverso, con distintos matices, y que refleja el estado de una banda madura, capaz de otorgar más participación a sus integrantes y abrirse a horizontes sonoros amplios y desconocidos.

Siguiendo con el disco, está la refrescante “Siempre” de la Berni, una bajista con un carácter que te quema, y la incertidumbre para componer que sugiere Perrosky en “La Intención”, “En el Camino” y “Todavía es muy Tarde” temas enérgicos e inquietos musical y líricamente. “Espirítu”, otra más de Perrosky, donde nos demuestra como con un par de versos y acordes puede hacer tremendas melodías, usando poco para hacer algo grande, con una frase como “ si crees que no sabes bien/ lo que no importa y quieres ser/No dejes que elijan por ti/lo que tu debes responder/”, sugerentes en cuanto actuar y no quedarse. Nos sorprenden después con “Violeta”, la primera balada de la banda, sutil y bella, cantada por Guerra y la Berni, impensada hace unos años atrás.

Quizás este álbum no tiene la urgencia y adrenalina de su antecesor, pero sigue manteniendo esa pasión y actitud que hace de Guiso una banda que te atrapa en su máquina de sonido, ahora con letras más sugerentes y accesibles, con variedad y densidad para pensar que ya no se van a estancar sino que tienen por delante todo mundo por explorar y además tienen toda la seriedad, honestidad y sangre para convertirse en una de las bandas más importante de Chile en este milenio.

por Alexis

http://www.guiso.net/

EVA'S MILK - CASSANDRA E IL SOL CHE OSCURA

EVA’S MILK
"Cassandra E Il Sole Che Oscura"
Independiente
2007

Grata sorpresa fue la que nos llevamos, cuando nos llegó vía mail el link para descargar este disco. Grata porque se trataba de una banda italiana, independiente, que intenta de esta manera difundir su propuesta al otro lado del Atlántico, una propuesta con muchos méritos para ser escuchada, por cierto.

Más grato aún, fue cuando lo descargué y lo escuché. De la tierra de bandas que, personalmente, no me simpatizan mucho como Rhapsody o Lacuna Coil, nos llega esta interesante propuesta de Rock con raíces plenamente noventeras, pero que con gran elegancia le devuelve la salud a la para muchos enterrada década pasada. “Cassandra e il sole che Oscura” es la mezcla perfecta entre la crudeza del grunge de Nirvana (si, grunge italiano) y la elegancia y oscuridad del Anathema post “Eternity”.

La placa parte con la aletargante “Rane su Venere”, un tema lleno de potencia y que juega muy bien con el paso desde la sombría calma hacia demoledoras guitarras, muy al estilo de los citados ingleses. Una gran canción donde de inmediato la voz de Andrea impone presencia con su particular registro. “L.U.C.R.A.” es sencillamente una vuelta a los mejores días de la escena de Seattle, con reminiscencias innegables al “Nevermind” y el tercer track, “Nella siccità” nos trae nuevamente a esos sonidos más melancólicos y oscuros. Acá queda claro que es definitivamente éste el sonido que le queda mejor a Eva’s Milk. Lejos uno de los mejores cortes del disco, y por cierto, el más largo.

“Boheme”, siguiendo la tendencia, es nuevamente la reactualización del Nirvana del Incesticide, puro grunge de la mejor calaña, sólo que 15 años después. Debo dejar claro acá, eso sí, que si bien las referencias a lo hecho por Cobain y compañía son claras e irrefutables, y este track 4 es claramente el mejor ejemplo de ello, hay algo en Eva’s Milk que reactualiza el sonido de Seattle, no es una mera copia, hay atmósferas diferentes sobre todo en las otras canciones, con un sonido que intenta algo más, que fusiona, que matiza. Quince años no han pasado en vano y eso se nota positivamente en el resto del disco.

“Edera Immobile” nos trae un riff muy ganchero, y “Tarita in Morfina” es un breve instrumental, el tema más lento del disco. “Lo specchio di tuna”, por su parte, es una melodía muy pegajosa que desemboca en un potente coro, donde la alternancia entre melodía triste y riff potente ya empieza a tornarse un tanto predecible. Así, éste y su sucesor “Ricordo” aparecen como los puntos más bajos del disco, no tanto porque sean malas composiciones, sino porque ya ambos suenan repetitivos teniendo como antesala los grandes tracks que les preceden.

La cosa sigue igual hasta que llegamos al final, y cuando ya creemos que la banda mostró todo lo que tenía que mostrar, nos sorprenden con una joyita, denominada “Sequiota pt.I y II”. Sencillamente un epílogo excelente consistente en una obra de dos partes, donde confluyen todas las sensaciones suscitadas a lo largo del disco, sonando casi como una marcha fúnebre enmarcada en guitarras acústicas y eléctricas, gritos desgarradores, samplers de voces de película (que por cierto sería muy interesante poder saber qué dicen), toda una serie de sonidos que se conjugan a la perfección para cerrar estos 12 tracks. Un sorprendente tema teniendo en cuenta que se trata de una primera placa.

“Cassandra e il sol che oscura” es un gran debut para una banda que surge de un país poco conocido por su rock, y sobre todo por este tipo de rock. Un álbum que con su permanente juego entre la tristeza descontrolada del Grunge y la tristeza austera y elegante de la tradición inglesa, sorprende en un principio, repite quizá en exceso la fórmula en adelante (siendo este el punto débil de la placa) pero justo al final, justo antes de que nos aburramos, explota en un final excelente, que nos deja expectantes a lo que estos italianos puedan hacer en el futuro.

por Crackhitler

www.myspace.com/evasmilk

Comentario Disco: ENGRANAJE - SER ANIMAL

ENGRANAJE
“Ser Animal”
Independiente
2007

Desde las desérticas tierras del norte de nuestra larga y angosta faja de tierra suenan cuerdas atiborradas de rock, cuerdas que unimos a las cadenas de RIC, las que atrapan en esta oportunidad un meticuloso armatoste que da vida a este SER ANIMAL. Esto es ENGRANAJE.

Oscuros acordes a cargo de las cuerdas de Bambino y Nicolás son las encargadas de iniciar el movimiento al Ser Animal con "Caja de Recuerdos", plagado de un riff potente y una letra bastante nostálgica y plasmada de dolor con respecto al fantasma del sentimiento hacia alguien que ya no está. En cuanto a la métrica del tema en si, es bastante encajada salvo en un arreglo del coro que a la oreja no suena muy bien. El siguiente es un tema de aquellos, de esos que pasas y pasas en el disco hasta que la letra te entra por osmosis en la memoria, sigue la línea narrativa del tema anterior con un buen “puente guitarrea’o” que nada de honor hace al título del tema, "El Aprendiz". Entramos nuevamente con "El Golpe" en una atmósfera nostálgica que a ratos se convierte en un potente track a cargo de doble pedal y riffs, que llega al clímax con un teletransportante solo. El siguiente tema que clama por pedir algo que se nos hace cada vez más escaso, "Tengo Poco Tiempo", nos dice Salim; nuevamente aparece Nicolás para lucirse con su talento en el puente de este temazo. El siguiente track nos tira en la cara la historia de Engranaje, ya que han sido muchos los vocalistas que han circulado por esta nortina agrupación, pero para demostrarnos la potencia que tienen sin la necesidad de un frontman se sacan este instrumental de antología, sólo escuchen, es "Oxido". Este tema apunta con el dedo a la persona de quien imagino es la inspiración de esta placa, ojalá aparezcas, "Halles lo que Halles". tenía que estar. No podía faltar. El tema propicio para una buena cabece’a, una tremenda composición de puro rock old school por parte de las cuerdas de Nicolás, buenos riffs, un buen waa-waa y un solo de aquellos, para mostrarnos como ser un "Ermitaño"(track 7).

Una potente entrada de bajo, un pegajoso y sólido riff, el tono preciso de voz y todo coordinado por un excelente pulso, solo está disponible "En Sueños".

Nada más que un temazo, un "Ser Animal" que parece estar dormido al son acústico, pero que se revela en majestad al momento en que la electricidad corre por las cuerdas.

Una apuesta interesante por parte de Engranaje es el tema con el que cierra la placa, ya que se atreven a componer una pieza en inglés y que no deja de sonar a ellos mismos por lo demás, "You Cry You Die" es lo que suena.

Se nota la preocupación por los detalles de cada corte, de cada segmento de la canción, por lo que también se nota la ausencia del azar a la hora de componer las canciones, lo que si necesita este Ser Animal es un poco de sensibilidad en aquellos detalles y abandonar la ansiedad, ya que se logran apreciar muy buenas ideas en cada rola, pero me falta un poco de fineza, quizá por el buen nivel de los temas me pongo un poco más exigente. Pero a la hora de poner el disco en tu cidipleyer se disfruta una buena decena de rocanrol, que no te arrepentirás de oír. Este Ser animal se ha soltado de las cadenas de RIC para llegar a sus orejas sedientas de rock, enjoy.

por Tántriko

www.myspace.com/engranaje

Comentario Disco: TABERNARIOS - TABERNARIOS

TABERNARIOS
“Tabernarios”
Independiente
2005

"Sexo, cerveza y rocanrol", son las tres palabras que definen al debut discográfico de una de las bandas más importantes del hard rock nacional de los últimos años: Tabernarios. Grabado en Junio de 2005 en los estudios de la CFA, “Tabernarios” dicta cátedra en 10 tracks de lo que es buen hard rock, al estilo de la vieja escuela. No se encontrará en este disco nada novedoso ni mayores experimentaciones, porque simplemente con algunas bandas (como ésta) eso no es necesario. Esto es puro rock, reuniendo en un disco las influencias de bandas como Rolling Stones, ZZ Top o los más actuales Danzig, junto con una aguardentosa voz al estilo “Lemmy” Kilmister de los legendarios Motörhead.

El disco parte con “El Calor de tus piernas”, canción que nos da la bienvenida con un inspirado Rafa en las voces, y una letra que no va más allá de tópicos referentes al sexo y a las juergas nocturnas. “Mocha Magnífica” muestra todo el power de las guitarras de Ivanovic y Rafa, y es la antesala para un tema que a mi juicio es de los mejores del disco: “Cruo”. Una canción que en 2 minutos nos azota la cabeza contra la pared, tremendos riffs, una voz sacada del peor de los bares, y una lírica que no pudo estar más acorde a los sonidos que se despliegan en el tema. Es sin duda el más potente de todo el disco y el que reagrupa de mejor manera todas las virtudes de los Tabernarios.

En general el disco pasa por buenos momentos en la mayoría de sus temas, sin embargo, cabe señalar que la única debilidad de la placa pasa por el sonido en algunos pasajes, que probablemente para las futuras entregas de la banda mejorará considerablemente. Se extraña de repente una batería que suene más potente, o un bajo más marcado y pesado. De todos modos, este problema no logra aguarnos la fiesta, y ya llegando al final, el tema homólogo “Tabernarios” no es más que la declaración de principios de la banda hecha canción, gritándonos a coro en la cara “Esto sí es rocanroll!!”. “Pilsen of Death” es la prolongación del tema anterior, lo que por cierto no es malo, ya que si bien hay más de un tema parecido con otro a lo largo del disco, esto en ningún caso es motivo de aburrimiento, son simplemente 37 minutos de rock sin parar, sin más pretensiones, y eso se agradece. El epílogo llega con “Atravesando Rutas”, el único tema lento y más “pegado” del disco, como para contarnos que ya el carrete ha terminado, y ahora solo nos queda la resaca.

En resumen, “Tabernarios” es un gran disco de Hard Rock que vale la pena adquirir. Los muchachos se están convirtiendo en un importante referente actual del rock chileno más “under” y hay que ir a verlos… y aplaudirlos.

por Crackhitler

www.myspace.com/tabernarios

Comentario Disco: SILENCIO - LECCIONES

SILENCIO
“Lecciones”
Consumo Records
2005

Hago mi debut en estas gloriosas páginas de la gran familia RIC para presentarles un disco tremendo y poderoso, que a través de sus 11 tracks (once “lecciones”) adquiere vida una unidad sonora de duras melodías oscuras que van del heavy hasta un hard rock en estado híbrido, novedoso y pesado. Lo primero que llama la atención, de manera general, es el gran nivel técnico de producción de este debut y la calidad musical de los integrantes: El maestro Rolando Ramos ha reconocido en esta banda todo el tremendo potencial que entregan en sus lecciones cargadas de distorsión, riffs inteligentes y casi progresivos en ocasiones, y una batería que da los latidos precisos para dar vida a este monstruo que de silencioso nada tiene.

La placa consta de 11 temas, que bajo el concepto de 11 lecciones de vida, conforman una suerte de declaración de principios. Desde la primera lección (“Mal”, que es el extracto de un diálogo de la película de Disney “Blancanieves”) notamos la paradoja de aquella palabra que se vuelve tirana cuando se pronuncia desde la imposición.

Incontables lecturas adquiere este breve track que precede a la descarga de distorsiones y voces desgarradas en las que nos sumergiremos por los restantes 39 minutos. Así, le sigue la poderosa “Cópula”, primer single del disco, que muestra la angustia de aquel que ha adquirido el VIH, y con ello condena a los que le siguen: “no solo te cagas a ti, sino también a la sangre de tu sangre". Le siguen “Sufre cuanto puedas” y la gutural “Daño”, que se vuelve un reproche enrrabiado al abusivo. Continúan las lecciones “Sangre” , que en la segunda mitad del track nos trae a la mente fraseos musicales como inspirados en lo mejor de Porcupine Tree, con un bajo sólido y baterías casi tribales, y una lírica con alusiones a la crucifixión de Cristo; y “Póstumo”, que comienza bajando las revoluciones del disco, como continuando la lección precedente, musical y líricamente, pero que termina poderosamente como antesala para la breve instrumental "I.R.D." Le siguen la enfadada y angustiante “Robo” (muy buen track para mi gusto) y “Masa”, con tintes de aggro y muy sólida. “Realidad” comienza a sonar con letra algo críptica, dándonos luces sobre la ambigüedad de lo aparentemente objetivo (“lo malo puede ser blanco… y la risa puede ser llanto”). Finalmente empieza a sonar la última lección: “Yo caigo sobre ti”, la número 11, no menos compleja líricamente y que suena como un acertado cierre para esta unidad sonora llamada “Lecciones”.

En definitiva, la placa resulta un muy logrado debut, técnica, musical y líricamente, con letras complejas y con contenido, abiertas a la interpretación, y que dejan ese gustillo a letras con valores (de ninguna manera me propongo acusarlos de “moralistas”, sino todo lo contrario: más bien percibo un disco con un concepto valórico patente y serio, pero que invita a la propia reflexión al respecto, pues, desde el principio percibimos el rechazo a las voces impositivas). Un excelente debut, altamente recomendable, y esperamos la salida de la segunda placa, proyectada para mediados de este segundo semestre, de este tremendo power trío ganador del merecido premio “Tengo Rock, tengo Futuro 2007” de Radio Futuro, como banda revelación.

por Chelonga

www.silencio.cl

Comentario Disco: MORTERO - VAGABUNDO

MORTERO
“Vagabundo”
Independiente
2006

Sonidos plasmados en un disco lleno de observación y (re)sentimiento para con el sistema actual. Cuerdas, tambores y gargantas afilados para cortar el silencio de la sociedad en 12 tracks que provienen de la mirada atenta y parsimoniosa de estos 4 jóvenes oriundos de Quinta Normal presentándonos su disco debut VAGABUNDO.

Cada tema, una bala que atraviesa los tímpanos llegando directamente al centro de la conciencia despertando mentes dormidas por los finos hilos de los que mandan. Es ese el hilo conductor de estos rockeros vagabundos que se pasean por varios estilos musicales a lo largo de su disco. Una corriente musical sazonada de Nü Metal, Hard-core, matices Reggae y ciertos sonidos latinoamericanos que mezclados con un lírica incisiva que ataca directo al orden social actual son machacados en este “mortero” logrando una amalgama rockera que se sirve en el sucio plato del descontento contingente.

Ives, voz y guitarra, que con sus líricas y singular tono de voz da una identidad especial a cada tema, que por ahí pasa a dar una suerte de dualidad a la hora de emitir un juicio: parece ser negativo el parecido que da a los tonos pero por otro lado, poniéndo la oreja que se merece, lo que se aprecia es La habilidad de darle a sus letras una personalidad identificable.

El disco inicia con “Dulce o Travesura”, intro que da el pie músico-atmosférico a “Jalogüin” canción bastante confrontacional, con una lírica con tono de advertencia “dulce país de vidas amargas nos da, que travesura un país sin identidad” ¡mansa frase! Sigue “Construcción o Represión” perfecto para cabecear la realidad. Bajemos los volúmenes y estemos atentos a un tirón de orejas melódico que nos patea de nuevo a la realidad con unos buenos riffs de Cristian en “La Razón”, una tranquila canción que hace descripción de un ser sin salida del sistema. Poderosas cuerdas dan la entrada a “Compre en Viva Chile” con pasajes punk rock, pero predominantemente aggro con un puente poderosísimo que hace recordar un buen momento del pasado de este género. Luego suena “Mundo Paralelo”, que saca toda la furia contenida de esta agrupación en un potentísimo despliegue, con un puente que da una atmósfera distinta en la mitad del tema, pero que culmina con potentes acordes y buenos tarros. “Luchar por Sobrevivir”, para mi gusto, uno de los temas con mayor contenido emocional y expresivo de esta compilación, sus riffs melancólicos y su letra e interpretación angustiante hacen notar la sensibilidad social de Mortero. El tema que da nombre al disco pero no así homónimo es “Un Vagabundo”, simplemente escúchenlo. ¿Quieren pegarse una buena cabecea’? pongan el track 10, es de esos temas que lo escuchas y dices “waaaaa la zorra!", para después decir “tóquenla de nuevo!" Si les quedó cuello después de “Quieren más Poder” pongan oreja a “En Prisión” y sigan sacudiendo la chasca. No todo puede ser tan malo, por lo que estos chicos nos entregan su “Canción Esperanza” para sellar su primera placa, entregando su mensaje anestésico, que tal vez no sea tan esperanzador.

Una interesante propuesta, ya que la mixtura de estilos hace "Nacer" -quinto track, dedicado a todos los hijos y que esta muy bueno por lo demás- una producción de la que de seguro dará que hablar en la escena under rockera y tal vez más allá. Enjoy.

por Tántriko